Urbacraft - Urban design toy

Few weeks ago I discovered a very interesting architectural toy designed by a couple of architects from Beirut called Urbacraft. The construction system is based on only two different pieces and an interlocking system that allow to easily create orthogonal shapes that represent a first three-dimensional approach to urban scale design. Indeed the child can create several buildings which can be "filled" by different kind of surfaces in order to manage the relationship between interior spaces (private) and exterior spaces (public). Therefore, through the toy it is possible to approach several different architectural and urban themes, since basic shapes to human relationships, a real "City Crafting System".

As Ayssar Arida, one of the authors, explained to me last week along a meeting, a model made by Urbacraft can be customized or completed with other materials in a very easy way. So it is possible, with the same structure, use different architectural languages that can be inspired by the local reality.

The toy has a very strong "personality" because the unique material and the particular shape; actually it reminds me SuperCity, a great american plastic construction system that is no more produced. Even when the construction is not a building, Urbacraft can be used for several different shapes and forms in several scales, from the small object to the large scale installation.

Urbacraft  is completely developed and produced in Lebanon and it is already for sale in two boxes, one smaller and another bigger. You can check the Facebook page to see more and to keep you updated: https://www.facebook.com/urbacraft

Brick Fetish

Sometimes the best way to talk about something is let other talk. This happen today with this great site called “Brick Fetish” that, as you can read in its homepage, “is a narrative timeline of the history of LEGO®: the company, their toys and the Kirk Christiansen family (q.v.). It is also a repository of set images, catalogs, ads and promotional literature, idea books, patents, photographs, and pretty much anything else I can get my hands on.”
It deserves attention because is not a simple collection; it is a very well done research about LEGO with several documents and references where you can find almost everything about this famous toy.

Here is the link: http://www.brickfetish.com

Arthur Carrara and the magnetic toys

Arthur Carrara was born in Chicago in 1914. Son of an Italian immigrant that worked in a clay manufacture that provided ornamental parts for the buildings designed by the famous north american architect Louis Sullivan (1856-1924). Since he was a young boy Arthur manifested a very strong interest for architecture and, in 1931, he visited with his school class an exposition about Frank Lloyd Wright and attended to his famous lecture "To the Young Man in Architecture", delivered at the Art Institute of Chicago. Later he would state that this lecture was one of the most important and determinant moment for his own professional life. Carrara began his studies in architecture and engineering at the University of Illinois and graduated in 1937. After the conclusion of his academic formation he worked a short period as drawer in the John van Bergen’s office, a Frank Lloyd Wright’s collaborator.

During the World War II Carrara served in the army of United States of America in the Pacific Ocean area as topographer. He also was charged for the design of some logistical support buildings in Australia and in the Philippines.
In 1943, when he was in Australia, the local government demands to him the design for the Café Borranical, a very complex moving structure inserted in a botanical garden on the Yarra River cost, near Melbourne. This project represented the opportunity for the architect to experience some ideas about the application of hydraulics and magnetic systems in the buildings construction. The solution was a central plan that looks like a flower whose petals were platforms that, moving down and up, changed the building form increasing its surface.

In 1944, with the rank of Major in the army, was invited by the Philippines’s City Planning Commission to design the urban plan of Manila and Cebu. This two cities were bombed during the bigger urban battle of the Pacific war. 95% of Manila, at the time under japonese domain, was raised between 3rd February and 3rd March 1945 during a battle that was compared, for its violence, to the Warsaw destruction or to the Stalingrad battle.

In 1946 Carrara returned to Chicago where he opened an architectural office. He made several projects for houses, service buildings, expositions and designed some industrial products like furniture and lights. Later, the increasing workloads justified, in 1965, to open a second office in Buffalo in the state of New York. In his work it is possible to recognize both influences of Prairie Houses style by Frank Lloyd Wright, Modern Movement canons and some high-tech experiences.

Carrara arrived to the idea to adopt magnetism in building construction before the war period when he had thought about the possibility to create structural joins for metallic building that could be done by this system. However, given the weakness of the magnets at the time, this project never left the paper.

At the end of 1940 was found the Alnico, an iron alloy with Aluminum, Nickel and Cobalt beyond other metals in smaller amount (the own name of the alloy is the combination of the main elements: Al, Ni, Co). This metal was discovered twenty years earlier during a military investigation looking for substitute electromagnets with permanent magnets. The magnetic field created by this alloy is so strong that it can support 1000 times its own weight; in this capability Carrara saw a really big potential to apply in his own projects.
So it is not really surprising that, in 1947, Carrara started a design of a toy that could show the power of magnetism and his possibilities for the architecture field. Having failed in the real building scale, Carrara decided to apply the magnetic technologies in a smaller scale, more specifically in a toy, a construction set for children.

The Magnet Master was desenvolved in a partnership between Arthur Carrara, his brother Reno and the Walker Art Center in Minneapolis. It was suggested, by the magazine Everyday Art Quarterly, as a toy for people of every age or intellectual conditions.

About the toy Carrara wrote, in the catalog of the exposition of 1960 at the Milwaukee Art Center: “Magnet Master grew out of my experiments with the new found magnetic and electromagnetic metals. Every idea of man is first employed as a toy or in a toy. Every scientific principle was at first presented in a toy form. Magnet Master grew out of a comprehensive study of man’s methods of fastening materials (...) joinery techniques. The uses inherent in Magnet Master for architecture and other fields are apparent. As a study method Magnet Master was first exhibited and manufactured with the tremendous encouragement and financial help of the Walker Art Center in Minneapolis, which deserves the credit or whatever popular acceptance this adventure has received. The unit shown here has been distributed around the world, it is hoped with some good effect. It has been expanded as an architectural concept for the first time in the Franklin Delano Roosevelt Memorial”.

Sold in a lemon yellow box, the Magnet Master was made by a set of metal parts joinable by socket or by magnetism. It was possible to build tridimensional structures where the metallic junctions give an extremely lightness and elegance to the parts due to the almost dematerialization of the group. Moreover, the magnetic parts allowed that children could join, as a complement, any other piece like clips, springs, pins or even nails.

In the box there were no instructions because, as was written in its advertising brochure, “children are naturally imaginative and will derive greater pleasure and benefit when left to their own images and devices”. This idea was at the base of a promotional article published in the Look magazine of February 1949 where the famous painter Max Weber was photographed playing with Johnny, his own 11 years old son.
The toy was advertised in a lot of museums and educational institutions. There was a specimen in the children room in the Marcel Breuer prototype house built at the Moma in New York, in the exposition of 1949.

In 1960 Carrara participated in the competition for the Franklin Delano Roosevelt memorial with a proposal based on the investigations that he was developing for the Magnet Master design. It was a pyramid whit a suspended sphere by a magnetic field.

Although it received a strong commercial support and be associated with some of the most important artist of the time, for the Magnet Masted never arrived a real commercial success. Anyway it remained for us a real example of architectural toy paradigm.

Takefumi Aida – from the blocks to the houses

This is my first article written in English so, please, be tolerant. Sooner or later it would be happen because I received several requests form people that can not read portuguese language. I choose this specific article because its main subject is about a Japanese architect called Takefumi Aida. This architect was himself extremely helpful in my architectural toys investigations and I thought that it was my obligation to make an effort to turn the article comprehensible for him.
In the past I had already wrote about this architect in a post about the “Architectural design” review that published the results of a dolls house competition held in 1983. In fact Takefumi Aida was the second prize winner with a very interesting proposal of a dolls house made by elementary volumes like cubes, cylinders and pyramids. At that time I discovered that Aida designed a group of houses called “Toy Blocks Houses” where he adopted an architectural language based on the toy blocks in a larger size. So I thought that it would be interesting to know more about these houses and periodically I was searching more information in the internet without great results. In October I decided to try to write a mail directly to architect Aida; to my surprise he replied me soon and sent me several publications about the houses. So, here I am.

Until now, in the other posts, I used to talk about the influences that the architectural culture had in the childhood word. For me was important to observe and analyze the way that architects looked to the children and to the childhood along history.
In this specific case we face the opposite way process: the Aida’s houses show how the childhood culture (that is influenced by architectural culture) can, in its turn, influence an architectural design process. It is not the unique example (I remember the UNI-SET Corporation and its TV set design or the relation between the kites and the houses in the Charles Eames’s architecture, among others) but maybe this is the more obvious and clear of all them.

In a very interesting book that architect Aida wrote and send to me, he explains the narrative behind a quite extensive series of toy blocks project that include toys, dolls-houses and real houses. It was a mix between the revolutionary environment that he found in Paris in 1968 and a will to rescue the pleasure in architecture as an “important and integral part of human nature”. For Aida the japanese architecture of that period was empty of meaning and “too often simply an economic production”.
So, like most of the architects, he look for an intellectual and formal substructure that could feed his own design experience. He finds this substructure in the toy blocks because, as he said “architecture is produced within the framework of restrictions and conditions characteristics of an era, just as toy blocks are played within the framework of certain given condition”.
In the same text, further, Aida talk about the importance of the possibility that toy blocks have in the creative process and in the education. The reference to Roland Barthes is direct especially when we remember that the French philosopher wrote: “The merest set of blocks, provided it is not too refined, implies very different learning of the world: then the child does not in any way create meaningful objects, it matters little to him whether they have an adult name, the actions he performs are not those of a user, but those of demiurge. He creates forms which walk, which roll, he creates life, not property: objects now act by themselves, they are no longer an inert and complicated material in the palm of his hand” (Barthes, Roland. 1972. Mythologies. New York: Hill and Wang. 52.). Blocks as a complete free thinking tool and not as parts of a pre-built object or artifact.

Since 1974 Takefumi Aida designed a series of nine toy block houses, a dolls house and a wood toy, all based on the same geometrical roles derived from the toy blocks system. All the houses are based on elementary solids like cubes, cylinders prisms and parallelepipeds joined together avoiding penetrations or overlapping between them. The results are building that look like huge toys constructions.

Toy Blocks House I

During 15 years the design process became more and more sophisticated and complex. In the first house, the Toy Blocks House I, the scale of the blocks corresponds with the main parts of the building. The roof is clearly a simple triangle prism and the two volumes of the house are two parallelepipeds joined by cubes and more elementary solids. Also the forms are elementary and they remember the typical house archetype, something very simple like a child drawing or a generic house image idea.

Toy Blocks House III

In the successive houses Aida start to reduce the dimension and the scale of the parts. For example, in the Toy Blocks House III of 1981, except for the roof, the blocks no more correspond to the principal volumes of the house and the building looks more like an addition of small pieces. Moreover the blocks are painted with different colors to increase the perception of an amount and losing the perception of a unique solid. Windows and other technical elements like ventilation grids or chimney are inserted respecting the main geometrical role and improving the “blocks language”. The challenger go very far, the architect comes to put a rotated volume on the edge of the corner, that has no apparent utility, to empathize the perception of the blocks division and to reduce the scale of the building.

Toy Blocks House IV

In 1982, in the Toy Blocks House IV, Aida insert one more new element symbolized by a ruined concrete wall that look like a preexistence in the plot. It is like if the blocks had been placed in a box that, at a certain moment, was broken leaving his edges damaged and letting out several blocks. This trick also allows the creation of an exterior space that is, formally, an interior space and work as a patio for the house.

Toy Blocks HouseV

For designing the Toy Blocks House V and VI Takefumi Aida invented another challenge based on the Aida Blocks, a blocks toy set “intended to be an aid of understanding and composing architectural spaces”. So, in this case, the intention “was to explore the variations in houses that could be archived with these pieces”. As in all the other houses, also in these two exist a strong correspondence between the geometrical accuracy present in the exterior and in the interior of the building. All the spaces and the interior architectural elements like columns, pillars, windows, doors or walls meet the exterior rules. So, when you are inside the building, you fill as you would be in the interior of a blocks construction.

Toy Blocks HouseVII

In the design of the Toy Blocks House VII “the main theme (...) was to employ all the pieces of a toy block set to create architecture”. So the architect started from a very simple solid and, with a succession of cutting, slicing, sliding, moving and subtracting operations, he arrived to the final design. The resulted building contains the signs of the process visible in the different colors of the darker parts that symbolize the original box and the clearer parts that symbolize the blocks.

Toy Blocks HouseVIII

For the Toy Blocks House VIII the method is similar: starting from a cube and acting on it with a succession of geometrical operations, in this case including rotations, result a complex building with two apartments for two families. A cylindrical solid helps to organize the exterior space and makes the counterpoint with the right angles present in the main building. In this project the architect is also concerned with the large plot around the house and turns it in a meaningful part of the composition thought the separation of the main volume in a series of smaller volumes that surround the house and organize all the environment.
The Toy Blocks House IX is not a real house, it is the doll’s house about which I have already spoken in my other article. It would be easily a scale model to help the creation of a Toy Blocks House. The unique aspect that leaves me curious is the way the architect painted the blocks because it is very different from the white and gray tone used in the houses. Maybe the transferring process from the toys to architecture changed direction and he tried to represent the plaster’s surface in a small scale….

Toy Blocks House X

Finally, in 1984, Takefumi Aida designs the last Toy Blocks House, the tenth. Maybe the most complex among all the houses, the Toy Blocks House X contains parts with several different scales and geometries. The building is totally fragmented in several small and big cubes, prisms, cylinders and, in this case, also spheres. The result is a group of volumes that looks really as built by toy blocks because, apparently, there are no composition rules or fixed planes. Where one block is missed there is a window and the same volumetric game exists in the interior that is richly painted with strong colors and colored carpets.

I think that the Aida’s Toy Blocks Houses are a clear example about the possibility to see each building, or each architecture, as a sum of parts, as an union of several shapes. In his houses Aida turn this relation very evident and explicit building some pedagogical values. What is more interesting maybe is not the finally result but the methodological process that leads to the result. This is the main pedagogical value: to show how the building is created and designed, to show that exists a method, despite the quality of the method.

References:
Aida, Takefumi. 1984. Tsumiki no ie. Tōkyō: Maruzen.
Aida, Takefumi. 1986. Space and concept. Contemporary 1. Architecture in Drawing. Nakagyoku Kyoto: Dohosha Publishing Co Ltd. 

Site:
http://www.kt.rim.or.jp

Arthur Carrara e as construções magnéticas

Arthur Carrara nasceu em 1914 em Chicago, Illinois, filho de um imigrante italiano que trabalhava numa fábrica de argila que fornecia peças ornamentais para os edifícios projectados pelo famoso arquitecto norte-americano Louis Sullivan (1856-1924). Desde muito cedo Arthur demonstrou um particular interesse pela Arquitectura e, em 1931, visitou com a escola que frequentava a exposição de Frank Lloyd Wright e assistiu a sua famosa palestra  "To the Young Man in Architecture", proferida ao Art Institute of Chicago. Mais tarde, declarará que este foi um dos momentos mais marcantes e determinantes para a sua vida profissional.
Carrara começou os estudos em arquitectura e engenharia na Universidade do Illinois que o levará, em 1937, a obter aí a licenciatura. Após a conclusão da formação académica trabalhou algum tempo como desenhador no gabinete do arquitecto John van Bergen, um colaborador de Frank Lloyd Wright.

Durante a Segunda Guerra mundial Carrara serviu o Exercito norte-americano no Pacifico como topografo e foi encarregue de projectar alguns edifícios de apoio logístico na Austrália e nas Filipinas.
Em 1943, quando se encontrava na Austrália, o governo deste país encomendou-lhe o projecto do Café Borranical, em Melbourne. O projecto deste espaço, uma teahause, foi para Carrara a oportunidade para experimentar algumas das suas ideias sobre a aplicação de sistemas hidráulicos e magnéticos na construção de edifícios. A solução apresentava uma planta central que lembrava uma flor cujas “pétalas” eram plataformas móveis que, ao mexer, alteravam a forma do edifício e aumentavam a sua área de ocupação.

Em 1944, com a patente de Major do exército, foi convidado pela City Planning Commission, nas Filipinas, para conceber o projecto urbanístico de Manila e Cebu. Estas cidades foram bombardeadas durante a que ficou conhecida como a maior batalha urbana da Guerra do Pacifico. 95 % de Manila, que estava sob domínio Japonês, foi destruída entre 3 de Fevereiro e 3 de Março de 1945 durante uma batalha que foi comparada, pela sua selvajaria, à destruição de Varsóvia ou à batalha de Estalinegrado.

Em 1946, Carrara voltou para Chicago onde abriu um escritório. Chegou a fazer projectos para várias casas, edifícios para serviços, espaços expositivos e para alguns produtos industriais como móveis ou candeeiros. As crescentes encomendas levaram-no, por volta de 1965, a abrir outro escritório em Buffalo, no estado de New York. Sobretudo na década de 1950, o arquitecto projectou várias moradias, entre as quais, muitas casas de férias. Nos projectos reconhece-se a habilidade do autor em conseguir conjugar o estilo Prairie, de Frank Lloyd Wright, com as influências do movimento moderno e algumas experiências high-tech da época.

A ideia de utilizar o magnetismo na construção tinha surgido a Carrara ainda antes da guerra, quando havia hipotizado junções estruturais em edifícios metálicos que se podessem realizar com esse sistema. Todavia, dada a fraqueza dos magnetes disponíveis na altura, esta ideia nunca saiu do papel. Em finais de 1940 descobriu o Alnico, uma liga de Ferro, Alumínio, Níquel e Cobalto, além de outros metais em menor percentagem (o próprio nome é a junção dos principais elementos Al, Ni, Co), cuja formula tinha sido descoberto vinte anos antes para fins bélicos. Esta liga possui capacidades magnéticas de tal ordem que um imãn de Alnico consegue suportar 1000 vezes o seu próprio peso e Carrara viu nele um grande potencial para os seus projectos.

Não é portanto de estranhar que, em 1947, Carrara resolva projectar um brinquedo que conseguisse demonstrar o poder do magnetismo e as suas possibilidades para a arquitectura. Não tendo conseguido aplicar as suas teorias na arquitectura em escala real, resolveu aplicá-las  na pequena escala, num sistema de construções para crianças.

O Magnet Master foi desenvolvido em parceria com o irmão Reno e com o Walker Art Center em Minneapolis chegando a ser sugerido pelo Everyday Art Quarterly como um brinquedo para as crianças de todas as idades, licenciados e estudantes, inclusivé.
Acerca do Magnet Master o autor escreve no catalogo da exposição que lhe é dedicada em 1960 no Milwakee Art Center: “Magnet Master grew out of my experiments with the new found magnetic and electromagnetic metals. Every idea of man is first employed as a toy or in a toy. Every scientific principle was at first presented in a toy form. magnet Master grew out of a comprehensive study of man’s methods of fastening materials . . . joinery techniques. The uses inherent in Magnet Master for architecture and other fields are apparent. As a study method Magnet Master was first exhibited and manufactured with the tremendous encouragement and financial help of the Walker Art Center in Minneapolis, which deserves the credit or whatever popular acceptance this adventure has received. The unit shown here has been distributed around the world, it is hoped with some good effect. It has been expanded as an architectural concept for the first time in the Franklin Delano Roosevelt Memorial”.

Vendido numa caixa de cor amarelo limão, o Magnet Master, era composto por um conjunto de peças metálicas que se juntavam por encaixe ou por magnetismo. Era possível construir estruturas tridimensionais onde as ligações magnêticas davam uma extrema leveza e elegância às partes chegando a desmaterializar quase por completo o conjunto. Além disso, o facto de o brinquedo ser magnêtico permitia que as crianças juntassem, para o complementar, outras peças metálicas, como clips, molas ou alfinetes.
Não eram fornecidas instruções uma vez que, como dizia o panfleto publicitário do brinquedos, “children are naturally imaginative and will derive greater pleasure and benefit when left to their own images and devices”. Esta ideia estava na base de um artigo promocional da revista Look de Fevereiro de 1949 onde o pintor Max Weber se apresentava a brincar com o filho de onze anos Johnny com Magnet Master .
O brinquedo chegou a ser publicitado em vários museus e instituições educacionais; no quarto dos brinquedos da casa protótipo de Marcel Breuer construída no Moma de New York, na exposição de 1949, havia um Magnet Master.

Em 1960, Carrara participou no concurso para o memorial a Franklin Delano Roosevelt com uma proposta inspirada nas investigações que tinha desenvolvido para o projecto do Magnet Master: uma pirâmide com uma esfera suspensa num campo magnético.

Apesar de ter tido um forte apoio comercial e ter sido associado a alguns dos mais importantes autores da altura, o Magnet Master nunca chegou a ser um sucesso comercial. Ficou para a história como um verdadeiro paradigma entre os brinquedos de arquitectura.

Charles e Ray Eames - Das casas aos piões

Apesar de ter construídos só alguns edifícios, o casal Charles e Ray Eames ocupa um lugar de pleno direito na história da Arquitectura da segunda metade do século XX. Este lugar foi-lhes garantido pela capacidade de criar obras de referência em campos tão diversificados como são a arquitectura, o projecto de instalações, o design industrial, o Cinema e, entre outros, o desenho de brinquedos. Uma capacidade de percorrer diferentes âmbitos artísticos com recíprocas contaminações e resultados verdadeiramente notáveis.
Creio que todos nós, algum dia, já nos sentámos numa cadeira desenhada por Eames (ainda hoje sinónimos de modernidade e de bom gosto) e alguns já tiveram oportunidade de ver um dos seus filmes como o famoso “Power of ten”, de 1968, em que o espectador assiste a um percurso que o leva desde o espaço sideral até ao interior do corpo humano com saltos de distâncias medidas em potências de dez metros. Algo muito parecido com o que hoje conseguimos fazer com o zoom de Google Earth.

Charles e Ray adoravam brinquedos, possuíam uma vasta colecção que lhes servia como material para realizar filmes e como fonte de inspiração para vários projectos. Não é casual, por exemplo, a semelhança entre a casa Case Study House #8, provavelmente o edifício mais conhecido, e um papagaio. No seu interessante artigo Toy , Tamar Zinguer, professora da Cooper Union de Nova York, lembra que Charles Eames tinha uma paixão por papagaios e era frequentemente convidado para participar em competições. Num artigo de Setembro de 1950, publicado pela revista Architectural Fórum, com o título “Life in a chinese kite”, a casa é descrita como exemplo de eficiência tecnológica na utilização de materiais, cores e transparência fazendo o paralelo explícito com a construção de papagaios. Os mesmos papagaios que aparecem regularmente como elementos de decoração nos projectos dos Eames e que eram considerados, por Charles, um conúbio entre tecnologia, design e brincadeira. Diziam que projectavam brinquedos para os próprios netos e para os filhos dos colaboradores e dos amigos, mas a verdade era que para eles os brinquedos eram um assunto muito sério e que ocupava uma parte importante da actividade do escritório. Charles defendia que os brinquedos transportam os paradigmas tecnológicos e culturais da época em que são produzidos.

Os primeiros produtos surgem em 1945 quando os Eames aplicam a tecnologia da moldagem de madeira contraplacada ao fabrico de mobiliário para crianças. Cadeiras, mesas e bancos além de uma série de animais (entre os outros o famoso elefante) são realizados neste material inovador com o qual, entretanto, o escritório Eames tinha ganho dinheiro vendendo milhares de talas anatómicas ao exército dos Estados Unidos. Aliás, as talas foram uma das principais fontes de rendimento do casal desde 1941 até a morte de Charles, em 1978.

São de 1950 as máscaras e disfarces de animais para crianças e para adultos, que foram os primeiros brinquedos produzidos em massa. Chegaram a ser vendidas pela Tigrett Enterprises, uma produtora de brinquedos do Tennessee que, mais tarde, irá produzir o conhecido cabide com bolinhas coloridas desenhado pelos mesmos autores. As máscaras eram produzidas com cartolina e tinha formas de pássaros, peixes a outros animas. Eram vendidas  pré-recortadas e eram montadas em casa pelos compradores. Nunca chegaram a ser um artigo de grande sucesso mas serviram como experiência de materiais e de produção para outros brinquedos.

Um ano mais tarde é colocado à venda o que é certamente um dos brinquedos mais interessantes destes arquitectos: The Toy. Era vendido numa caixa colorida em forma de tubo com secção hexagonal onde, numa das faces, podia-se ler: “Large-Colorful-Easy to Assemble-For Creating A Light, Bright Expandable World Large Enought To Play In and Around”. No interior encontravam-se painéis triangulares e quadrados feitos em tecido de plástico, também este um material que tinha sido recentemente descoberto. Os painéis, de cores vivas, tinham umas baínhas nos lados onde podiam ser enfiados uns pauzinhos de madeira permitindo construir estruturas tridimensionais abertas ou fechadas. As instruções diziam: “The Toy gives each one the means with which to express himself in big structures and brilliant color”. Na sua versão original, The Toy era vendido numa caixa quadrada e os paineis eram rígidos. Sob conselho da firma que o comercializava, a Sears, Roebuck & Company, a embalagem passou para a sua versão em tubo e os paineis tornaram-se flexíveis para serem enrolados em volta dos pauzinhos no interior da embalagem. Já nesta nova configuração, o brinquedo chegou a ser objecto de um artigo publicado em 16 de Julho de 1951 na revista LIFE onde foi definido como “one of the most imaginative playthings of the year (...) to intrigue Young men (5-10) who have an engineering or architectural bent and Young ladies (same ages) with a homing instinct”. The Toy, que podia ser considerado como um papagaio desmontado, apareceu frequentemente em fotografias publicitárias da altura e é, juntamente com House of Cards, um dos brinquedos mais paradigmáticos dos Eames pela sua flexibilidade criativa e pela sua eficácia construtiva. Em 1952 foi produzida uma versão reduzida e com algumas variações chamada The Little Toy. Neste modelo, os painéis eram rígidos e existiam aros triangulares e quadrados já prontos para serem unidos com fios de arame. The toy é hoje um artigo de colecção, os poucos exemplares que foram transaccionados recentemente atingiram valores próximos dos 1000 dólares, em leilões especializados.

É de 1952 o jogo House of Cards; um baralho de 54 cartas, cada uma com seis ranhuras, duas em cada lado comprido e uma em cada lado curto. As ranhuras permitiam encaixar as cartas de forma a construir estruturas tridimensionais rectas ou curvas. Cada carta tinha, de um dos lados, uma imagem fotográfica ou um padrão gráfico e, do outro, um asterisco preto. Uma segunda versão tinha, do lado das imagens, reproduções daqueles que os Eames chamavam “coisas boas” como eram objectos familiares, animais ou imagens da natureza. Algumas cartas tinha imagens de brinquedos, tesouras, botões, novelos de lá ou ainda dedais ou pastéis de cor, entre outras coisas. As imagens foram escolhidas entre centenas e foram envolvidos pessoalmente todos os funcionários do escritório tanto na pesquisa como na escolha, mas a selecção final era de responsabilidade do designer de tecidos Alexander Girard que colaborava regularmente com o escritório dos Eames. As cartas ficaram em produção nos EUA até 1961, sendo que, em 1953, começou a ser produzida uma versão gigante e mais erudita e, em 1970, uma versão com imagens referentes ao universo dos computadores chamada, justamente, Computer House of Cards.

Alexander Girard, cujas bonecas são ainda hoje produzidas pela Vitra, participou também no projecto do brinquedo The Coloring Toy de 1955. Produzido pela Tigrett Enterprises, o conjunto continha cartolinas pré-recortadas, pastéis de cera e ataches. As cartolinas podiam ser usadas como escantilhões para pintar figuras e as peças de cartolina separadas podiam ser unidas com os ataches para formar bonecos articulados que, também, podiam ser pintados. Nas instruções havia uma pequena aula de pedagogia: “The purpose of The Coloring Toy is to provide a sort of jet assist into a world of color, drawing, shapes, and Play. This world discovered and rediscovered by all children and is their own creation. The Coloring Toy does not presume to make artists out of children or to teach them how to play (children are far ahead of us on both counts). But we do hope that the contents of this box and the clues it offers will stimulate the use if these and other materials in an ever-expanding variety of ways”. 

A capacidade inventiva de Charles Eames era de tal ordem que, em 1957, construiu a Solar Do-Nothing Machine que, como dizia o autor: “não é suposto fazer nada, a sua função é ser” mas cujos movimentos e brilhos metálicos fascinava crianças e adultos. Esta máquina foi realizada para uma encomenda da Alcoa, um grupo industrial norte-americano que na altura apostava fortemente na utilização de alumínio e tinha uma campanha de encomendas/patrocínios a artistas ou designers conhecidos. Quando Charles pediu ajuda à universidade para desenvolver um sistema mais eficiente, esta manifestou logo interesse, não para ajudar mas sim para tentar compreender como funcionaria umas das primeiras máquinas a energia solar.

Em 1959, o escritório Eames volta ao brinquedos com o projecto da Revell Toy House. Uma casa de bonecas projectada para a fábrica de brinquedos Revell, com um sistema construtivo e uma linguagem arquitectural muito idêntica à utilizada na Case Study House #8 projectada e construída dez anos antes. A Revell queria incluir este artigo numa linha de brinquedos ligados a uma ideia de “casa moderna”, um projecto que combinava perfeitamente com o fervor doméstico do pós-guerra norte-americano. O kit contava com um sistema de unidades modulares constituídas por paredes e grelhas de plástico obtidas por injecção. A montagem destas componentes permitia realizar casas com vários quartos de um piso ou casas com mais pisos. O protótipo tinha miniaturas de mobiliário feitas em plástico moldado além de uma grande quantidade de outros acessórios. A produção nunca chegou a arrancar porque existiam grandes dificuldades em produzir as peças dada a sua grande fragilidade e a precisão necessária para garantir a qualidade exigida. Mesmo assim a Herman Miller (a mesma firma que produzia as peças de mobiliário desenhadas por Eames) chegou a produzir uma versão em tamanho reduzido destas casas que utilizava como modelo de exposição da sua produção.

Em 1969, Charles Eames realiza “Tops”, um filme fruto do fascínio que tinha por piões. O casal possuía uma colecção muito extensa com exemplares vindos da China, da Índia, do Japão ou do México, além de ter construído mais de uma centena por conta própria. O filme, além de mostrar como, ao longo do tempo, o pião representou um brinquedo onde se reflectia uma capacidade artesanal e artística de uma determinada cultura, consegue explicar alguns fenómenos físicos que estão, justamente, presentes no seu funcionamento (o filme era frequentemente projectado para os estudantes do MIT, num curso de física). 

Actualmente só alguns dos brinquedos desenhados por Eames se encontram à venda. O House of Cards ainda é produzido e imitado pelo mundo fora (até existe uma versão portuguesa). Os bancos para crianças em contraplacado moldado em forma de elefante são produzido pela Vitra em várias cores e os filmes podem ser comprados já digitalizados em DVD.

Os brinquedos de Eames são mais um exemplo de objectos onde se condensa, numa função tão aparentemente banal como é a do brincar, não só o zeitgeist de uma época, como a estrutura intelectual do seu autor. Temas como a modularidade, a variação cromática e gráfica, o conforto e a ergonomia ou a produção em série eram temas caros ao casal Eames que facilmente se reconhecem nos seus brinquedos. Às vezes a criança é convidada a lidar com a beleza das imagens de objectos domésticos para descobrir e compreender uma cultura material que lhe pertence, como é o caso de House of Cards. Outras é estimulada a explorar a tridimensionalidade do espaço e da sua ocupação, enquanto experimenta combinações cromáticas e apercebe-se da importância das regras da física, como é o caso do The Toy.  Outras ainda, como acontece com a casa de bonecas projectada pela Revell, é-lhe pedido para lidar com paradigmas formais e domésticos absolutamente inovadores em relação a uma cultura instalada, chegando a desafiar a atávica imagem mental e material de casa.

Fontes:
Neuhart John, Marilyn Neuhart & Ray Eames. 1989. Eames design : the work of the office of Charles and Ray Eames - New York : Harry Abrams
http://www.vitra.com
http://www.americanmemorabilia.com
http://www.eamesoffice.com/

O brinquedo de Malévitch

Em Fevereiro de 2009 estive em Paris para um "fim-de-semana sem filhas" (só quem é pai sabe o que isto significa). Mesmo já tendo lá estado muitos anos antes, resolvi fazer uma visita ao Centre Pompidou e, já agora, ver a sua colecção de arte contemporânea. Na altura já estava interessado nos brinquedos mas ainda não investigava de forma sistemática a ligação destes com a Arquitectura. Quando, no último andar da exposição, encontrei os modelos originais dos ornamentos suprematista de Kasimir Malévitch pensei logo: “isto dava um belíssimo brinquedo”, do género dos produzidos pela firma suíça Naef. Lembrei-me das fantásticas construções desenhadas em 1924 por Alma Siedhoff-Buscher ou ainda das de Ladislav Sutnar, sobre as quais já escrevi um post em Março. Fotografei-os e continuei o meu passeio predizendo que, mais tarde, iria pensar no assunto com mais tempo e seriedade. Desta ideia podia surgir alguma coisa mesmo interessante.

Kasimir Malévitch  (1878-1935) era pintor e fez partedas vanguardas do abstractismo russo do princípio do século XX. Mais especificamente, fundou o suprematismo, um movimento artístico centrado nas forma geométricas básicas, como o quadrado e o círculo, tanto na sua aplicação bi como tridimensional. Malévitch chamou a este movimento suprematismo por considerar a arte abstracta superior a figurativa tanto de um ponto de vista intelectual como social. A representação de objectos ou seres viventes , segundo o pintor, não devia interessar o artista cuja obrigação era a de abandonar qualquer relação com a  realidade e concentrando-se na absoluta pureza geométrica. 

O que está exposto no Pompidou são umas maquetas com as quais Malévitch investigava padrões compositivos e decorativos tridimensionais. A conjugação de vários sólidos básicos é feita através de algumas regras geométricas que garantem uma concordância entre as partes digna de uma composição fractal.

Tenho que admitir que nunca mais pensei no assunto desde que voltei de Paris. Quando viajamos fazemos sempre muitos projectos que, de regresso, se dissolvem mal desfazemos as malas.
Nunca mais pensei no assunto até a semana passada quando, enquanto navegava na rede, encontrei isto: http://www.beamalevich.com/ e pensei que, de facto, nunca estamos sozinhos… nem nos sonhos.

Agora só falta mandar vir uma caixa.

Construire, une passion - Les jeux de construction de 1850 à nos jours

Apesar de ter sido editado em 2002, este livro é uma compra relativamente recente; encontrei-o numa livraria do Porto numa daquelas tardes de Sábado em que se passeia pela baixa sem grandes programas ou objectivos. Pouco mais de 32 euros para um livro que, tenho a certeza absoluta, uma vez esgotado nunca mais será reeditado.

O livro é relativamente pequeno (93 páginas) mas de boa qualidade: capa dura, bom papel, boas fotografias e bom arranjo gráfico. Os autores também são de qualidade: Flavio Santi é historiador e foi conservador do Museu Suíço do Jogo (em La Tour-de-Peilz, uma pequena cidade na margem suíça do lago de Genebra, a poucos quilómetros a Este de Lausana), além de ser autor de vários textos sobre brinquedos; Antoine Wasserfallen é arquitecto e professor na Escola Politécnica de Lausana, autor particularmente atento à história da técnica e à sua influência na Arquitectura.
A primeira parte do livro faz uma abordagem teórica do tema dos brinquedos de construção. Flavio Santi, em poucas páginas, explica a abrangência do tema e as possíveis ligações históricas e culturais que podem surgir logo numa primeira aproximação.

Uma segunda parte aprofunda alguns aspectos históricos dos jogos de construção. Locke, Rousseau, Pestalozzi e Frobel são alguns dos nomes que são frequentemente citados nestes textos com o intuito de explicar ao leitor a importância e a abrangência filosófica e pedagógica do fenómeno.

O resto do livro é uma recolha, bem organizada e articulada, dos mais paradigmáticos exemplos de jogos de construções. Desde os Meccano, passando pelos Anker, Lego, Matador ou Fichertechnik, são muitos os sistemas apresentados com excelentes imagens e pequenos mas eficazes textos. Sem excessivos aprofundamentos, o leitor consegue ter uma panorâmica suficientemente completa e ordenada por materiais.

A parte final é um longo texto de Antoine Wasserfallen em que o autor organiza uma narrativa bastante complexa, onde não faltam numerosas referências históricas em torno da formação do Arquitecto e do Engenheiro e da sua relação com os brinquedos de construção.

O livro consegue, de facto, o objectivo proposto pelos autores: os jogos de construção são algo que tanto pertencem à história individual de cada um de nós como a uma história colectiva de desenvolvimento tecnológico e progresso social. Duzentos anos de história de evolução do universo dos adultos e a sua projecção no mundo das crianças. Um excelente exemplo de capacidade de organização de um território em redor de um objecto aparentemente simples e banal como são os brinquedos. Em poucas páginas conseguimos conhecer e fotografar mentalmente um universo que vai desde a pedagogia dos princípios do Século XIX até a tecnologia do Século XXI passando pela estética do século XX.

Aconselho a compra a quem encontrar um exemplar.

Referência:

Flavio Santi, Antoine Wasserfallen. 2002. Construire, une passion - Les jeux de construction de 1850 à nos jours.  Genève: Quiquandquoi. ISBN: 2-940317-05-4